Jazz Magazine en Inde
De nombreux jazzmen ont pris un bain de jouvence en plongeant dans les multiples eaux de la musique indienne. Pour lancer la partie « Musique du monde » de sa saison,la Philharmonie– la nouvelle grande salle de concert parisienne – avait programmé un week-end consacré à l’Inde, dont un concert de prestige avec quelques-uns des artistes indiens parmi les plus importants. Une belle opportunité pour se faire une idée de l’acoustique de la salle avant la première des fameuses jam sessions, le 12 février.
Samedi 31 janvier 2015, Philharmonie de Paris, Paris (75)
Nuit du raga
1e partie : Kushal Das
Kushal Das (sitar), Satyajit Talwalkar (tabla), Tulika Srivastava (tampura)
2e partie : Amjad Ali Khan
Amjad Ali Khan, Amaan Ali Khan, Ayaan Ali Khan (sarod), Satyajit Talwalkar (tabla)
3e partie : L. Subramaniam
L. Subramaniam, Ambi Subramaniam (vl), Rama Murthy (mridangam), Satya Sai (guimbarde morsing, vx)
4e partie : Hariprasad Chaurasia
Hariprasad Chaurasia, Vivek R. Sonar (fl bansuri), Ram Prasad Mishra (tabla), Bhawani Shankar (pakhawaj), Kasturi Chaurasia (tampura)
Il faudrait faire tout un dossier sur les relations entre le jazz et la musique indienne. Rappelons tout de même que John Coltrane, qui a étudié de près certains modes indiens, a été très proche de Ravi Shankar (l’un des fils de John se prénomme Ravi, comme on le sait), un projet de rencontre ayant même été un temps imaginé. Comme Coltrane, Sun Ra a composé une pièce intitulée India, elle aussi modale mais en 1956 (soit un an avec avant “Ascenseur pour l’échafaud” et deux avant Milestones de Miles, et quatre ans avant l’India de Coltrane). Sortant en vrac de ma mémoire, ont aussi été attirés par cette musique : Duke Ellington (“Far East Suite”), Don Ellis, John McLaughlin avec son Mahavishnu et surtout Shakti, Daniel Goyone, Miles Davis (le salon indien de “On the Corner” par exemple), Jan Garbarek avec Zakir Hussein, sans parler des jeunes américains d’origines indiennes comme Vijay Iyer ou Rudresh Mahanthappa, et bien d’autres encore.
Qu’est-ce qui favorise les rapprochements entre jazz et musiques de l’Inde du Nord (hindustanie) et du Sud (carnatique) ? Avant toute chose, peut-être, dans les deux cas il s’agit d’une musique d’initiés, pour reprendre l’idée avancée dans l’ouvrage passionnant de Raphaël Imbert (Jazz Supreme). Dans les deux domaines, si la musique élaborée est souvent d’une grande complexité, ou du moins réclame-t-elle des prérequis et une certaine culture pour en apprécier totalement le suc, il est tout à fait possible d’évacuer cette dimension pour ne se laisser porter que par l’énergie qui émane d’elles. Voilà pourquoi en 1966 le quartette de Charles Lloyd (avec un inconnu au piano : Keith Jarrett) faisait un triomphe au festival de Monterey et que, l’année suivante, les quatre heures non-stop de musique authentiquement indienne (alors inconnue du grand public américain) de Ravi Shankar provoquèrent un puissant engouement auprès des spectateurs du même festival !
Bien sûr, l’improvisation rapproche les musiciens des deux sphères, même si l’esprit en est assez différent. L’art de l’improvisé dans la musique indienne consiste – pour le dire d’un mot – à exprimer de manière personnelle (mais en respectant certaines pratiques) l’ethos d’un mode. Ce sont précisément ces échelles de notes qui ont d’abord attiré les jazzmen. Ce n’est qu’ensuite, une fois distances prisent avec la mesure à quatre temps, qu’ils se sont tournés vers les cycles parfois très longs et les figures rythmiques à l’avenant imaginés en Inde.
Enfin et surtout, le jazz et la musique indienne sont à rapprocher par l’importance fondamentale de la sonorité individuelle. Dès la première note, tout se joue. C’est ce que j’ai pu constater au cours de cette nuit du raga àla Philharmonie(enfin… une nuit à l’occidentale, c’est-à-dire bouclée à minuit afin de ne pas faire rater leurs derniers métros aux auditeurs).
Au cours de la première partie, ce n’est pourtant pas le son du sitariste Kushal Das qui me fit impression mais ce qu’en jazz on nommerait des passages « out », sorte de glissements de côté de l’échelle initiale. À certains moments, les connaisseurs se mirent à applaudir, je ne sais pas exactement pourquoi : musique d’initiés ! La deuxième partie fut tout à fait différente. Tandis que Kushal Das parla peu et prit souvent le temps, en plein milieu d’un morceau, de raccorder sa sitar, Amjad Ali Khan prit en compte le fait qu’il se présentait devant un public ne possédant pas la culture nécessaire pour apprécier son art – en Inde, c’est une véritable star qui s’affiche sur des panneaux publicitaires ! Amjad Ali Khan fut ainsi très pédagogique, indiquant le déroulement de la première pièce à venir, expliquant au public pourquoi il se limait les ongles (cela change totalement le son si l’on n’utilise pas les ongles pour jouer du sarod), chantant au préalable le long thème de Rabindranath Tagore qu’il avait choisi de reprendre ensuite, et semblant donner une leçon lorsque ses deux fils le rejoignirent sur scène, Amjad faisant des propositions musicales qu’Amaan et Ayaan reproduisaient ensuite successivement (jusqu’à ce que, à la « réexposition du thème », je comprenne qu’un certain nombre de ces répons étaient en fait « préparés »). C’est souvent par le contraste que l’on saisit d’autant mieux la qualité d’une chose. Ce fut le cas avec Amjad Ali Khan. Je trouvais qu’il avait un très beau son, effectivement. Mais lorsque ses deux fils jouèrent du sarod, je pris alors la véritable mesure du son unique de leur père, plein et puissant sans jamais être agressif.
Il ne fut pas nécessaire d’entendre le fils de L. Subramaniam pour comprendre quel sublimissime musicien était sur scène. Dès la première note, je fus transporté de ce monde-ci vers un autre où tout n’est que beauté et poésie. Je connaissais ce violoniste par le disque, mais c’était la première fois que j’entendais en direct un tel son, d’un velouté qui vous traverse l’échine, assouplissant le système nerveux et vous muant par la seule magie du son en une pure spiritualité. Ce fut littéralement envoûtant : un son incarnant l’esprit d’un sage. Le jazzfan que je suis ne put pourtant s’empêcher de remarquer un lien avec le jazz au cours de cet unique raga à 99% improvisé (selon les dires de L. Subramanian) : la partie rythmée se développant sur une mesure à 5 temps, avec une répartition en 2+3 temps, les 4e et 5e temps (ou, si l’on préfère, les 1e et 2e temps du segment en 3 temps) étaient frappés par les violonistes tandis que les percussionnistes exprimaient le plus souvent la figure « noire pointée / noire pointée »… tout comme le quartette de Coltrane interprétant la mesure des valses !
L’apothéose de cette nuit devait être le concert d’Hariprasad Chaurasia, flûtiste tout à fait exceptionnel dont il n’est pas utile de vanter la valeur. Âgé de plus de quatre-vingt ans, atteint depuis plusieurs années de la maladie de Parkinson, il ne fallait pas s’attendre à retrouver l’intemporalité de son incroyable “Rāg Lalit” (Nimbus Records, 1988). Pourtant, en dépit d’un souffle court et de moyens partiellement envolés, il distilla une musique d’une grande beauté, empreinte des années d’expérience, autrement dit d’une profondeur qui touche. Je sentis d’ailleurs une écoute extrêmement concentrée de la part du public venu rendre avec un profond respect ses honneurs au vieux maître.
Et le son de salle ? Mon appréciation ne peut être que partielle parce que la nuit du raga fut complètement sonorisée, alors que la salle, me semble-t-il, est d’abord pensée pour les concerts acoustiques. L’atmosphère tout d’abord : elle m’a fait la curieuse impression d’être à mi-chemin de l’Opéra Bastille et de l’ancienne version de la salle Olivier Messiaen de Radio-France, sans doute parce que ce large volume se voit décoré de motifs qui m’évoquent vaguement ceux de l’avenue du Président Kennedy. J’ai trouvé qu’on entendait beaucoup les pas des personnes se déplaçant, ce qui n’est tout de même pas idéal. À vérifier… Le son, enfin : il m’a paru clair, aéré et vivant, avec un très léger effet de retour. Sans être immergé dans le son ni submergé par lui, j’ai trouvé agréable l’acoustique de cette salle, sans toutefois qu’elle me transporte. Mais je crois que les soins apportés à cette dimension déterminante du bâtiment n’en sont qu’à leurs débuts. Attendons donc les réglages et… la fin des travaux (car pour le moment, c’est surtout le prestige des ouvriers et autres artisans quela Philharmoniemet en valeur !).
Prochain concert de jazz à la Philharmonie :
– 12 février : Jazz at the Philarmonie (avec Biréli Lagrène, Stefano di Battista, Chris Potter, Sophie Alour, Ambrose Akinmusire, Thomas Bramerie, Franck Agulhon, Jeff Ballard, Eric Legnini, etc.)
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De nombreux jazzmen ont pris un bain de jouvence en plongeant dans les multiples eaux de la musique indienne. Pour lancer la partie « Musique du monde » de sa saison,la Philharmonie– la nouvelle grande salle de concert parisienne – avait programmé un week-end consacré à l’Inde, dont un concert de prestige avec quelques-uns des artistes indiens parmi les plus importants. Une belle opportunité pour se faire une idée de l’acoustique de la salle avant la première des fameuses jam sessions, le 12 février.
Samedi 31 janvier 2015, Philharmonie de Paris, Paris (75)
Nuit du raga
1e partie : Kushal Das
Kushal Das (sitar), Satyajit Talwalkar (tabla), Tulika Srivastava (tampura)
2e partie : Amjad Ali Khan
Amjad Ali Khan, Amaan Ali Khan, Ayaan Ali Khan (sarod), Satyajit Talwalkar (tabla)
3e partie : L. Subramaniam
L. Subramaniam, Ambi Subramaniam (vl), Rama Murthy (mridangam), Satya Sai (guimbarde morsing, vx)
4e partie : Hariprasad Chaurasia
Hariprasad Chaurasia, Vivek R. Sonar (fl bansuri), Ram Prasad Mishra (tabla), Bhawani Shankar (pakhawaj), Kasturi Chaurasia (tampura)
Il faudrait faire tout un dossier sur les relations entre le jazz et la musique indienne. Rappelons tout de même que John Coltrane, qui a étudié de près certains modes indiens, a été très proche de Ravi Shankar (l’un des fils de John se prénomme Ravi, comme on le sait), un projet de rencontre ayant même été un temps imaginé. Comme Coltrane, Sun Ra a composé une pièce intitulée India, elle aussi modale mais en 1956 (soit un an avec avant “Ascenseur pour l’échafaud” et deux avant Milestones de Miles, et quatre ans avant l’India de Coltrane). Sortant en vrac de ma mémoire, ont aussi été attirés par cette musique : Duke Ellington (“Far East Suite”), Don Ellis, John McLaughlin avec son Mahavishnu et surtout Shakti, Daniel Goyone, Miles Davis (le salon indien de “On the Corner” par exemple), Jan Garbarek avec Zakir Hussein, sans parler des jeunes américains d’origines indiennes comme Vijay Iyer ou Rudresh Mahanthappa, et bien d’autres encore.
Qu’est-ce qui favorise les rapprochements entre jazz et musiques de l’Inde du Nord (hindustanie) et du Sud (carnatique) ? Avant toute chose, peut-être, dans les deux cas il s’agit d’une musique d’initiés, pour reprendre l’idée avancée dans l’ouvrage passionnant de Raphaël Imbert (Jazz Supreme). Dans les deux domaines, si la musique élaborée est souvent d’une grande complexité, ou du moins réclame-t-elle des prérequis et une certaine culture pour en apprécier totalement le suc, il est tout à fait possible d’évacuer cette dimension pour ne se laisser porter que par l’énergie qui émane d’elles. Voilà pourquoi en 1966 le quartette de Charles Lloyd (avec un inconnu au piano : Keith Jarrett) faisait un triomphe au festival de Monterey et que, l’année suivante, les quatre heures non-stop de musique authentiquement indienne (alors inconnue du grand public américain) de Ravi Shankar provoquèrent un puissant engouement auprès des spectateurs du même festival !
Bien sûr, l’improvisation rapproche les musiciens des deux sphères, même si l’esprit en est assez différent. L’art de l’improvisé dans la musique indienne consiste – pour le dire d’un mot – à exprimer de manière personnelle (mais en respectant certaines pratiques) l’ethos d’un mode. Ce sont précisément ces échelles de notes qui ont d’abord attiré les jazzmen. Ce n’est qu’ensuite, une fois distances prisent avec la mesure à quatre temps, qu’ils se sont tournés vers les cycles parfois très longs et les figures rythmiques à l’avenant imaginés en Inde.
Enfin et surtout, le jazz et la musique indienne sont à rapprocher par l’importance fondamentale de la sonorité individuelle. Dès la première note, tout se joue. C’est ce que j’ai pu constater au cours de cette nuit du raga àla Philharmonie(enfin… une nuit à l’occidentale, c’est-à-dire bouclée à minuit afin de ne pas faire rater leurs derniers métros aux auditeurs).
Au cours de la première partie, ce n’est pourtant pas le son du sitariste Kushal Das qui me fit impression mais ce qu’en jazz on nommerait des passages « out », sorte de glissements de côté de l’échelle initiale. À certains moments, les connaisseurs se mirent à applaudir, je ne sais pas exactement pourquoi : musique d’initiés ! La deuxième partie fut tout à fait différente. Tandis que Kushal Das parla peu et prit souvent le temps, en plein milieu d’un morceau, de raccorder sa sitar, Amjad Ali Khan prit en compte le fait qu’il se présentait devant un public ne possédant pas la culture nécessaire pour apprécier son art – en Inde, c’est une véritable star qui s’affiche sur des panneaux publicitaires ! Amjad Ali Khan fut ainsi très pédagogique, indiquant le déroulement de la première pièce à venir, expliquant au public pourquoi il se limait les ongles (cela change totalement le son si l’on n’utilise pas les ongles pour jouer du sarod), chantant au préalable le long thème de Rabindranath Tagore qu’il avait choisi de reprendre ensuite, et semblant donner une leçon lorsque ses deux fils le rejoignirent sur scène, Amjad faisant des propositions musicales qu’Amaan et Ayaan reproduisaient ensuite successivement (jusqu’à ce que, à la « réexposition du thème », je comprenne qu’un certain nombre de ces répons étaient en fait « préparés »). C’est souvent par le contraste que l’on saisit d’autant mieux la qualité d’une chose. Ce fut le cas avec Amjad Ali Khan. Je trouvais qu’il avait un très beau son, effectivement. Mais lorsque ses deux fils jouèrent du sarod, je pris alors la véritable mesure du son unique de leur père, plein et puissant sans jamais être agressif.
Il ne fut pas nécessaire d’entendre le fils de L. Subramaniam pour comprendre quel sublimissime musicien était sur scène. Dès la première note, je fus transporté de ce monde-ci vers un autre où tout n’est que beauté et poésie. Je connaissais ce violoniste par le disque, mais c’était la première fois que j’entendais en direct un tel son, d’un velouté qui vous traverse l’échine, assouplissant le système nerveux et vous muant par la seule magie du son en une pure spiritualité. Ce fut littéralement envoûtant : un son incarnant l’esprit d’un sage. Le jazzfan que je suis ne put pourtant s’empêcher de remarquer un lien avec le jazz au cours de cet unique raga à 99% improvisé (selon les dires de L. Subramanian) : la partie rythmée se développant sur une mesure à 5 temps, avec une répartition en 2+3 temps, les 4e et 5e temps (ou, si l’on préfère, les 1e et 2e temps du segment en 3 temps) étaient frappés par les violonistes tandis que les percussionnistes exprimaient le plus souvent la figure « noire pointée / noire pointée »… tout comme le quartette de Coltrane interprétant la mesure des valses !
L’apothéose de cette nuit devait être le concert d’Hariprasad Chaurasia, flûtiste tout à fait exceptionnel dont il n’est pas utile de vanter la valeur. Âgé de plus de quatre-vingt ans, atteint depuis plusieurs années de la maladie de Parkinson, il ne fallait pas s’attendre à retrouver l’intemporalité de son incroyable “Rāg Lalit” (Nimbus Records, 1988). Pourtant, en dépit d’un souffle court et de moyens partiellement envolés, il distilla une musique d’une grande beauté, empreinte des années d’expérience, autrement dit d’une profondeur qui touche. Je sentis d’ailleurs une écoute extrêmement concentrée de la part du public venu rendre avec un profond respect ses honneurs au vieux maître.
Et le son de salle ? Mon appréciation ne peut être que partielle parce que la nuit du raga fut complètement sonorisée, alors que la salle, me semble-t-il, est d’abord pensée pour les concerts acoustiques. L’atmosphère tout d’abord : elle m’a fait la curieuse impression d’être à mi-chemin de l’Opéra Bastille et de l’ancienne version de la salle Olivier Messiaen de Radio-France, sans doute parce que ce large volume se voit décoré de motifs qui m’évoquent vaguement ceux de l’avenue du Président Kennedy. J’ai trouvé qu’on entendait beaucoup les pas des personnes se déplaçant, ce qui n’est tout de même pas idéal. À vérifier… Le son, enfin : il m’a paru clair, aéré et vivant, avec un très léger effet de retour. Sans être immergé dans le son ni submergé par lui, j’ai trouvé agréable l’acoustique de cette salle, sans toutefois qu’elle me transporte. Mais je crois que les soins apportés à cette dimension déterminante du bâtiment n’en sont qu’à leurs débuts. Attendons donc les réglages et… la fin des travaux (car pour le moment, c’est surtout le prestige des ouvriers et autres artisans quela Philharmoniemet en valeur !).
Prochain concert de jazz à la Philharmonie :
– 12 février : Jazz at the Philarmonie (avec Biréli Lagrène, Stefano di Battista, Chris Potter, Sophie Alour, Ambrose Akinmusire, Thomas Bramerie, Franck Agulhon, Jeff Ballard, Eric Legnini, etc.)
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De nombreux jazzmen ont pris un bain de jouvence en plongeant dans les multiples eaux de la musique indienne. Pour lancer la partie « Musique du monde » de sa saison,la Philharmonie– la nouvelle grande salle de concert parisienne – avait programmé un week-end consacré à l’Inde, dont un concert de prestige avec quelques-uns des artistes indiens parmi les plus importants. Une belle opportunité pour se faire une idée de l’acoustique de la salle avant la première des fameuses jam sessions, le 12 février.
Samedi 31 janvier 2015, Philharmonie de Paris, Paris (75)
Nuit du raga
1e partie : Kushal Das
Kushal Das (sitar), Satyajit Talwalkar (tabla), Tulika Srivastava (tampura)
2e partie : Amjad Ali Khan
Amjad Ali Khan, Amaan Ali Khan, Ayaan Ali Khan (sarod), Satyajit Talwalkar (tabla)
3e partie : L. Subramaniam
L. Subramaniam, Ambi Subramaniam (vl), Rama Murthy (mridangam), Satya Sai (guimbarde morsing, vx)
4e partie : Hariprasad Chaurasia
Hariprasad Chaurasia, Vivek R. Sonar (fl bansuri), Ram Prasad Mishra (tabla), Bhawani Shankar (pakhawaj), Kasturi Chaurasia (tampura)
Il faudrait faire tout un dossier sur les relations entre le jazz et la musique indienne. Rappelons tout de même que John Coltrane, qui a étudié de près certains modes indiens, a été très proche de Ravi Shankar (l’un des fils de John se prénomme Ravi, comme on le sait), un projet de rencontre ayant même été un temps imaginé. Comme Coltrane, Sun Ra a composé une pièce intitulée India, elle aussi modale mais en 1956 (soit un an avec avant “Ascenseur pour l’échafaud” et deux avant Milestones de Miles, et quatre ans avant l’India de Coltrane). Sortant en vrac de ma mémoire, ont aussi été attirés par cette musique : Duke Ellington (“Far East Suite”), Don Ellis, John McLaughlin avec son Mahavishnu et surtout Shakti, Daniel Goyone, Miles Davis (le salon indien de “On the Corner” par exemple), Jan Garbarek avec Zakir Hussein, sans parler des jeunes américains d’origines indiennes comme Vijay Iyer ou Rudresh Mahanthappa, et bien d’autres encore.
Qu’est-ce qui favorise les rapprochements entre jazz et musiques de l’Inde du Nord (hindustanie) et du Sud (carnatique) ? Avant toute chose, peut-être, dans les deux cas il s’agit d’une musique d’initiés, pour reprendre l’idée avancée dans l’ouvrage passionnant de Raphaël Imbert (Jazz Supreme). Dans les deux domaines, si la musique élaborée est souvent d’une grande complexité, ou du moins réclame-t-elle des prérequis et une certaine culture pour en apprécier totalement le suc, il est tout à fait possible d’évacuer cette dimension pour ne se laisser porter que par l’énergie qui émane d’elles. Voilà pourquoi en 1966 le quartette de Charles Lloyd (avec un inconnu au piano : Keith Jarrett) faisait un triomphe au festival de Monterey et que, l’année suivante, les quatre heures non-stop de musique authentiquement indienne (alors inconnue du grand public américain) de Ravi Shankar provoquèrent un puissant engouement auprès des spectateurs du même festival !
Bien sûr, l’improvisation rapproche les musiciens des deux sphères, même si l’esprit en est assez différent. L’art de l’improvisé dans la musique indienne consiste – pour le dire d’un mot – à exprimer de manière personnelle (mais en respectant certaines pratiques) l’ethos d’un mode. Ce sont précisément ces échelles de notes qui ont d’abord attiré les jazzmen. Ce n’est qu’ensuite, une fois distances prisent avec la mesure à quatre temps, qu’ils se sont tournés vers les cycles parfois très longs et les figures rythmiques à l’avenant imaginés en Inde.
Enfin et surtout, le jazz et la musique indienne sont à rapprocher par l’importance fondamentale de la sonorité individuelle. Dès la première note, tout se joue. C’est ce que j’ai pu constater au cours de cette nuit du raga àla Philharmonie(enfin… une nuit à l’occidentale, c’est-à-dire bouclée à minuit afin de ne pas faire rater leurs derniers métros aux auditeurs).
Au cours de la première partie, ce n’est pourtant pas le son du sitariste Kushal Das qui me fit impression mais ce qu’en jazz on nommerait des passages « out », sorte de glissements de côté de l’échelle initiale. À certains moments, les connaisseurs se mirent à applaudir, je ne sais pas exactement pourquoi : musique d’initiés ! La deuxième partie fut tout à fait différente. Tandis que Kushal Das parla peu et prit souvent le temps, en plein milieu d’un morceau, de raccorder sa sitar, Amjad Ali Khan prit en compte le fait qu’il se présentait devant un public ne possédant pas la culture nécessaire pour apprécier son art – en Inde, c’est une véritable star qui s’affiche sur des panneaux publicitaires ! Amjad Ali Khan fut ainsi très pédagogique, indiquant le déroulement de la première pièce à venir, expliquant au public pourquoi il se limait les ongles (cela change totalement le son si l’on n’utilise pas les ongles pour jouer du sarod), chantant au préalable le long thème de Rabindranath Tagore qu’il avait choisi de reprendre ensuite, et semblant donner une leçon lorsque ses deux fils le rejoignirent sur scène, Amjad faisant des propositions musicales qu’Amaan et Ayaan reproduisaient ensuite successivement (jusqu’à ce que, à la « réexposition du thème », je comprenne qu’un certain nombre de ces répons étaient en fait « préparés »). C’est souvent par le contraste que l’on saisit d’autant mieux la qualité d’une chose. Ce fut le cas avec Amjad Ali Khan. Je trouvais qu’il avait un très beau son, effectivement. Mais lorsque ses deux fils jouèrent du sarod, je pris alors la véritable mesure du son unique de leur père, plein et puissant sans jamais être agressif.
Il ne fut pas nécessaire d’entendre le fils de L. Subramaniam pour comprendre quel sublimissime musicien était sur scène. Dès la première note, je fus transporté de ce monde-ci vers un autre où tout n’est que beauté et poésie. Je connaissais ce violoniste par le disque, mais c’était la première fois que j’entendais en direct un tel son, d’un velouté qui vous traverse l’échine, assouplissant le système nerveux et vous muant par la seule magie du son en une pure spiritualité. Ce fut littéralement envoûtant : un son incarnant l’esprit d’un sage. Le jazzfan que je suis ne put pourtant s’empêcher de remarquer un lien avec le jazz au cours de cet unique raga à 99% improvisé (selon les dires de L. Subramanian) : la partie rythmée se développant sur une mesure à 5 temps, avec une répartition en 2+3 temps, les 4e et 5e temps (ou, si l’on préfère, les 1e et 2e temps du segment en 3 temps) étaient frappés par les violonistes tandis que les percussionnistes exprimaient le plus souvent la figure « noire pointée / noire pointée »… tout comme le quartette de Coltrane interprétant la mesure des valses !
L’apothéose de cette nuit devait être le concert d’Hariprasad Chaurasia, flûtiste tout à fait exceptionnel dont il n’est pas utile de vanter la valeur. Âgé de plus de quatre-vingt ans, atteint depuis plusieurs années de la maladie de Parkinson, il ne fallait pas s’attendre à retrouver l’intemporalité de son incroyable “Rāg Lalit” (Nimbus Records, 1988). Pourtant, en dépit d’un souffle court et de moyens partiellement envolés, il distilla une musique d’une grande beauté, empreinte des années d’expérience, autrement dit d’une profondeur qui touche. Je sentis d’ailleurs une écoute extrêmement concentrée de la part du public venu rendre avec un profond respect ses honneurs au vieux maître.
Et le son de salle ? Mon appréciation ne peut être que partielle parce que la nuit du raga fut complètement sonorisée, alors que la salle, me semble-t-il, est d’abord pensée pour les concerts acoustiques. L’atmosphère tout d’abord : elle m’a fait la curieuse impression d’être à mi-chemin de l’Opéra Bastille et de l’ancienne version de la salle Olivier Messiaen de Radio-France, sans doute parce que ce large volume se voit décoré de motifs qui m’évoquent vaguement ceux de l’avenue du Président Kennedy. J’ai trouvé qu’on entendait beaucoup les pas des personnes se déplaçant, ce qui n’est tout de même pas idéal. À vérifier… Le son, enfin : il m’a paru clair, aéré et vivant, avec un très léger effet de retour. Sans être immergé dans le son ni submergé par lui, j’ai trouvé agréable l’acoustique de cette salle, sans toutefois qu’elle me transporte. Mais je crois que les soins apportés à cette dimension déterminante du bâtiment n’en sont qu’à leurs débuts. Attendons donc les réglages et… la fin des travaux (car pour le moment, c’est surtout le prestige des ouvriers et autres artisans quela Philharmoniemet en valeur !).
Prochain concert de jazz à la Philharmonie :
– 12 février : Jazz at the Philarmonie (avec Biréli Lagrène, Stefano di Battista, Chris Potter, Sophie Alour, Ambrose Akinmusire, Thomas Bramerie, Franck Agulhon, Jeff Ballard, Eric Legnini, etc.)
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De nombreux jazzmen ont pris un bain de jouvence en plongeant dans les multiples eaux de la musique indienne. Pour lancer la partie « Musique du monde » de sa saison,la Philharmonie– la nouvelle grande salle de concert parisienne – avait programmé un week-end consacré à l’Inde, dont un concert de prestige avec quelques-uns des artistes indiens parmi les plus importants. Une belle opportunité pour se faire une idée de l’acoustique de la salle avant la première des fameuses jam sessions, le 12 février.
Samedi 31 janvier 2015, Philharmonie de Paris, Paris (75)
Nuit du raga
1e partie : Kushal Das
Kushal Das (sitar), Satyajit Talwalkar (tabla), Tulika Srivastava (tampura)
2e partie : Amjad Ali Khan
Amjad Ali Khan, Amaan Ali Khan, Ayaan Ali Khan (sarod), Satyajit Talwalkar (tabla)
3e partie : L. Subramaniam
L. Subramaniam, Ambi Subramaniam (vl), Rama Murthy (mridangam), Satya Sai (guimbarde morsing, vx)
4e partie : Hariprasad Chaurasia
Hariprasad Chaurasia, Vivek R. Sonar (fl bansuri), Ram Prasad Mishra (tabla), Bhawani Shankar (pakhawaj), Kasturi Chaurasia (tampura)
Il faudrait faire tout un dossier sur les relations entre le jazz et la musique indienne. Rappelons tout de même que John Coltrane, qui a étudié de près certains modes indiens, a été très proche de Ravi Shankar (l’un des fils de John se prénomme Ravi, comme on le sait), un projet de rencontre ayant même été un temps imaginé. Comme Coltrane, Sun Ra a composé une pièce intitulée India, elle aussi modale mais en 1956 (soit un an avec avant “Ascenseur pour l’échafaud” et deux avant Milestones de Miles, et quatre ans avant l’India de Coltrane). Sortant en vrac de ma mémoire, ont aussi été attirés par cette musique : Duke Ellington (“Far East Suite”), Don Ellis, John McLaughlin avec son Mahavishnu et surtout Shakti, Daniel Goyone, Miles Davis (le salon indien de “On the Corner” par exemple), Jan Garbarek avec Zakir Hussein, sans parler des jeunes américains d’origines indiennes comme Vijay Iyer ou Rudresh Mahanthappa, et bien d’autres encore.
Qu’est-ce qui favorise les rapprochements entre jazz et musiques de l’Inde du Nord (hindustanie) et du Sud (carnatique) ? Avant toute chose, peut-être, dans les deux cas il s’agit d’une musique d’initiés, pour reprendre l’idée avancée dans l’ouvrage passionnant de Raphaël Imbert (Jazz Supreme). Dans les deux domaines, si la musique élaborée est souvent d’une grande complexité, ou du moins réclame-t-elle des prérequis et une certaine culture pour en apprécier totalement le suc, il est tout à fait possible d’évacuer cette dimension pour ne se laisser porter que par l’énergie qui émane d’elles. Voilà pourquoi en 1966 le quartette de Charles Lloyd (avec un inconnu au piano : Keith Jarrett) faisait un triomphe au festival de Monterey et que, l’année suivante, les quatre heures non-stop de musique authentiquement indienne (alors inconnue du grand public américain) de Ravi Shankar provoquèrent un puissant engouement auprès des spectateurs du même festival !
Bien sûr, l’improvisation rapproche les musiciens des deux sphères, même si l’esprit en est assez différent. L’art de l’improvisé dans la musique indienne consiste – pour le dire d’un mot – à exprimer de manière personnelle (mais en respectant certaines pratiques) l’ethos d’un mode. Ce sont précisément ces échelles de notes qui ont d’abord attiré les jazzmen. Ce n’est qu’ensuite, une fois distances prisent avec la mesure à quatre temps, qu’ils se sont tournés vers les cycles parfois très longs et les figures rythmiques à l’avenant imaginés en Inde.
Enfin et surtout, le jazz et la musique indienne sont à rapprocher par l’importance fondamentale de la sonorité individuelle. Dès la première note, tout se joue. C’est ce que j’ai pu constater au cours de cette nuit du raga àla Philharmonie(enfin… une nuit à l’occidentale, c’est-à-dire bouclée à minuit afin de ne pas faire rater leurs derniers métros aux auditeurs).
Au cours de la première partie, ce n’est pourtant pas le son du sitariste Kushal Das qui me fit impression mais ce qu’en jazz on nommerait des passages « out », sorte de glissements de côté de l’échelle initiale. À certains moments, les connaisseurs se mirent à applaudir, je ne sais pas exactement pourquoi : musique d’initiés ! La deuxième partie fut tout à fait différente. Tandis que Kushal Das parla peu et prit souvent le temps, en plein milieu d’un morceau, de raccorder sa sitar, Amjad Ali Khan prit en compte le fait qu’il se présentait devant un public ne possédant pas la culture nécessaire pour apprécier son art – en Inde, c’est une véritable star qui s’affiche sur des panneaux publicitaires ! Amjad Ali Khan fut ainsi très pédagogique, indiquant le déroulement de la première pièce à venir, expliquant au public pourquoi il se limait les ongles (cela change totalement le son si l’on n’utilise pas les ongles pour jouer du sarod), chantant au préalable le long thème de Rabindranath Tagore qu’il avait choisi de reprendre ensuite, et semblant donner une leçon lorsque ses deux fils le rejoignirent sur scène, Amjad faisant des propositions musicales qu’Amaan et Ayaan reproduisaient ensuite successivement (jusqu’à ce que, à la « réexposition du thème », je comprenne qu’un certain nombre de ces répons étaient en fait « préparés »). C’est souvent par le contraste que l’on saisit d’autant mieux la qualité d’une chose. Ce fut le cas avec Amjad Ali Khan. Je trouvais qu’il avait un très beau son, effectivement. Mais lorsque ses deux fils jouèrent du sarod, je pris alors la véritable mesure du son unique de leur père, plein et puissant sans jamais être agressif.
Il ne fut pas nécessaire d’entendre le fils de L. Subramaniam pour comprendre quel sublimissime musicien était sur scène. Dès la première note, je fus transporté de ce monde-ci vers un autre où tout n’est que beauté et poésie. Je connaissais ce violoniste par le disque, mais c’était la première fois que j’entendais en direct un tel son, d’un velouté qui vous traverse l’échine, assouplissant le système nerveux et vous muant par la seule magie du son en une pure spiritualité. Ce fut littéralement envoûtant : un son incarnant l’esprit d’un sage. Le jazzfan que je suis ne put pourtant s’empêcher de remarquer un lien avec le jazz au cours de cet unique raga à 99% improvisé (selon les dires de L. Subramanian) : la partie rythmée se développant sur une mesure à 5 temps, avec une répartition en 2+3 temps, les 4e et 5e temps (ou, si l’on préfère, les 1e et 2e temps du segment en 3 temps) étaient frappés par les violonistes tandis que les percussionnistes exprimaient le plus souvent la figure « noire pointée / noire pointée »… tout comme le quartette de Coltrane interprétant la mesure des valses !
L’apothéose de cette nuit devait être le concert d’Hariprasad Chaurasia, flûtiste tout à fait exceptionnel dont il n’est pas utile de vanter la valeur. Âgé de plus de quatre-vingt ans, atteint depuis plusieurs années de la maladie de Parkinson, il ne fallait pas s’attendre à retrouver l’intemporalité de son incroyable “Rāg Lalit” (Nimbus Records, 1988). Pourtant, en dépit d’un souffle court et de moyens partiellement envolés, il distilla une musique d’une grande beauté, empreinte des années d’expérience, autrement dit d’une profondeur qui touche. Je sentis d’ailleurs une écoute extrêmement concentrée de la part du public venu rendre avec un profond respect ses honneurs au vieux maître.
Et le son de salle ? Mon appréciation ne peut être que partielle parce que la nuit du raga fut complètement sonorisée, alors que la salle, me semble-t-il, est d’abord pensée pour les concerts acoustiques. L’atmosphère tout d’abord : elle m’a fait la curieuse impression d’être à mi-chemin de l’Opéra Bastille et de l’ancienne version de la salle Olivier Messiaen de Radio-France, sans doute parce que ce large volume se voit décoré de motifs qui m’évoquent vaguement ceux de l’avenue du Président Kennedy. J’ai trouvé qu’on entendait beaucoup les pas des personnes se déplaçant, ce qui n’est tout de même pas idéal. À vérifier… Le son, enfin : il m’a paru clair, aéré et vivant, avec un très léger effet de retour. Sans être immergé dans le son ni submergé par lui, j’ai trouvé agréable l’acoustique de cette salle, sans toutefois qu’elle me transporte. Mais je crois que les soins apportés à cette dimension déterminante du bâtiment n’en sont qu’à leurs débuts. Attendons donc les réglages et… la fin des travaux (car pour le moment, c’est surtout le prestige des ouvriers et autres artisans quela Philharmoniemet en valeur !).
Prochain concert de jazz à la Philharmonie :
– 12 février : Jazz at the Philarmonie (avec Biréli Lagrène, Stefano di Battista, Chris Potter, Sophie Alour, Ambrose Akinmusire, Thomas Bramerie, Franck Agulhon, Jeff Ballard, Eric Legnini, etc.)