D’jazz Nevers 7ème, Le Soir le plus long

Comme le dit Moran au début du second chapitre de Molloy (Samuel Beckett) « Mon rapport sera long. Je ne l’achèverai peut-être pas… » Telle était l’avant-dernière soirée de la quarantième édition de D’jazz Nevers 2026, avec le nouveau trio de Catherine Delaunay, “Chant Song” de Mathias Lévy et Le Bal du Siècle de François Corneloup.

Photo d’ouverture: François Corneloup en coulisses de son grand bal des 40 ans du festival avec son invité, le comédien Jacques Bonnarfé (© Maxime François)

Catherine Delaunay Trio ou la traversée des apparences

Théâtre municipale, 12h15 : nouveau projet pour la clarinettiste Catherine Delaunay, nouveau répertoire, nouveaux comparses tous deux rencontrés au sein de l’ONJ de Frédéric Maurin, soit le pianiste Bruno Ruder déjà entendu la veille sous la direction de Vincent Lê Quang auprès de Marc Ducret ; et la contrebassiste Sarah Murcia. Outre nos habitudes à D’jazz Nevers, c’est un peu pour cette “famille” musicale qu’ils représentent qu’on était là hier et qu’on l’est encore aujourd’hui. Catherine Delaunay n’est pas une “jazzwomen” à la façon dont on pourrait qualifier Hélène Labarrière ou Vincent Lê Quang, même si les voyant réunis tout à l’heure au catering autour des mêmes tables de vieux rhizomes culturels et imaginaires circulent entre eux. Et si l’identité musicale de Sarah Murcia d’une part, de Bruno Ruder d’autre part, relève d’une manière ou d’une autre de cette famille du jazz, c’est au gré d’altérités multiples.

Lorsque, comme on entre sur la pointe des pieds pour ne pas déranger, Catherie Delaunay démarre seule, elle joue sur des fragilités du phrasé qui me font imaginer quelque interprète solitaire chauffant son instrument dans la lande bretonne ou la Puszta hongroise. Et son errance nous fait dire qu’il y a du tzigane et du klezmer là-dedans mais aussi du Brahms et du Bartok, voire du Berg et du Messiaen. On sait qu’elle a fréquenté ces répertoires autant que celui des fanfares et des bals de campagne. Mais point d’emprunt précisément repérable (du moins à mon oreille, plus tard, on sentira quelques connivences plus lisibles), mais une candeur feinte qui laisse affleurer une mémoire de l’instrument, sur un vocabulaire mélodique finalement très savant sur un instrument gagnant toute assurance et que rejoint bientôt la contrebasse de Sarah Murcia : point de walking bass, cette “marche” du swing, plutôt une espèce vagabondage à cloche-pied gagné progressivement par la tentation de figures libres s’intercalant à la succession des pas. Le piano est entré, dense, érudit, attentif à la partition sans vraiment s’y asservir. Pour l’auditeur candide (et qui n’aurait pas les pupitres dans son champ de vision), point de vraie partition à l’horizon si ce n’est cette impression de cohésion d’où un matériel va finir par surgir, ou s’il a déjà surgi ne s’imposera à la perception de l’auditeur que par sa récurrence et, pour finir, par un exposé franc collectif.

À part une composition de Fred Maurin qui m’a paru plus précisément directive avec son vocabulaire jouant sur les micro-intervalles, ce premier morceau prélude d’une relation très souple de l’initiative individuelle à une écriture néanmoins très serrée, avec selon les impressions partagées à la sortie, une expression qui gagne en assurance au fil du concert… ou d’une assurance grandissante de l’auditeur d’abord un peu désarçonnée mais qui finira par faire un triomphe à la compositrice et ses partenaires, triomphe récompensé par, en guise de bis, un hommage à Nina Simone, le dernier morceau avant ce bis ayant été une évocation pleine de bruit et de fureur en souvenir de la révolte populaire contre les opérations criminelles de la police de l’immigration à Minneapolis.

Je me souviens d’un récent débat sur le métier de sonorisateur réunissant au studio Sextant Vincent Mahey et Daniel Deshays. Ce dernier défendait le droit de l’auditeur – le sonorisateur étant l’auditeur premier – à interpréter ce qu’il entend, à n’entendre qu’une partie du tout, passant de l’une à l’autre ; le droit à la divagation de la pensée et à la rêverie, voire à l’assoupissement, mais aussi à l’interprétation personnelle et à un effet de cadrage – comme en photographie – où l’on s’attache à tel instrument en oubliant les autres quelles que soient les effets de l’interaction des autres sur ce dernier.

Hier, s’il me faut avouer un assoupissement – oh, quelques secondes, de celles qui m’ont valu il y a un an d’abandonner ma voiture au pouvoir d’attraction du fossé –, m’a singulièrement intrigué, tout au long de ce captivant et fort émouvant récital, la position du piano dans ses va-et-vient entre la partition et l’initiative, avec l’étendue d’un vocabulaire individuel parvenant à s’épanouir pleinement dans le cadre d’une écriture si exigeante, la dynamisant sans l’envahir ni la renier, osant même sans l’ignorer une sorte de solo swing en single notes, selon des découpes singulièrement imprévisibles et un partenariat de la main gauche se refusant aux automatismes du comping au profit d’une sorte de commentaire bougonnant  et interjectif de ce que jouait la droite. Les pages de la partition ressurgissant dans un certain morceau, ici ou là, comme des graffitis, tags très élaborés, sur les murs d’une rue que longerait le soliste, tantôt les ignorant tantôt revenant à leurs précises consignes. Et on quitte ce programme, avec une furieuse envie de le réentendre, désormais qu’on s’est un peu accoutumé à ses figures et procédures.

Le cabaret de Mathias Lévy : un Chant Song peut-être malentendu

Théâtre municipal, 18h30: en ouverture, Mathias Lévy (violon), Sébastien Giniaux (violoncelle) tirant l’archet, Laurent Derache tirant le soufflet (accordéon), Jean-Philippe Viret tirant peut-être bien lui aussi le crin et le pernambouc sur sa contrebassek et Lou Tavano faisant surement filer sa voix dans cette matière orchestrale : on s’imagine dans quelque salon viennois du 19^ème, quelque schubertiade, et l’on s’y sent déjà bien. Puis Mathias Lévy présente l’objet de cette réunion : la chanson originale ou reprise, le texte… LE TEXTE (et c’est Mathias Lévy lui-même qui dans sa présentation très convaincante met ici des majuscules ! Les paroles, le “Poème” qu’il soit original ou emprunté. Et du salon on passe au cabaret… pas la taverne, un cabaret au sens où il existait des cabarets artistiques au 19^ème siècle.

La frontière n’est pas bien précise d’avec le salon où l’on reviendra d’ailleurs, remontant encore un siècle en amont, lorsque Sébastien Giniaux reviendra lui-même au violoncelle le temps d’une ardente improvisation collective sur le mode baroque (ou peut-être d’un emprunt textuel à Bach lui-même) qui aurait, comme j’aime à l’imaginer, enchanté le “cantor de Leipzig”. Nous le fûmes en tout cas. Auparavant donc, un répertoire de cabaret. Un cabaret russe lorsque le violon“fait les tables”, tantôt tzigane, tantôt savant, “schubertien”, “à la Bartok”, voire “à la Berg”  et même “à la Ligeti”, et bientôt “à la Jean-Luc Ponty”, “à la Grappelli”, se risquant enfin  avec une égale maestria à l’ère du tout bruitisme, ou du moins d’un forme déconstructivisme zornien.

Il est entouré de “gens à qui parler”. Qui connaît Jean-Philippe Viret sait qu’il est ici dans son élément et d’une efficacité exemplaire, tout à la fois discrète et généreuse, sans se trouver effarouché par ces transgressions stylistique. Laurent Derache est d’une présence admirable tant par l’efficacité discrète dont il sait faire preuve que par la conviction formelle de ses prises de parole improvisée. Lorsqu’il est à la guitare – genre Selmer qui l’a fait connaître dans la vague manouche début de siècle –, Sébastien Giniaux éblouira même les plus réticents à ce programme composite, par la manière qu’il a d’être lui-même sur cet instrument et avec cette sonorité tellement marquée par un certain type de virtuosité ici totalement détournée au profit “d’autre chose” qui n’appartient qu’à lui (et au violoncelle, on a vu qu’il s’exprime avec une égale aisance).

Enfin, au centre de cette scène,– qui prend parfois l’aspect de ces “tableaux photographiques », photos noir & blanc de noces ou d’ensembles orchestraux précisément scénographiés comme j’en ramène souvent de mes expéditions dans les brocantes –, au centre donc, il y a Lou Tavano, en fait plutôt côté cour, faisant souvent face au maître de cérémonie à l’opposé de la scène. Fascinante, par sa silhouette, et les deux fentes d’un regard embrasé et balayé par les mèches lui tombant sur le front d’une chevelure flamboyante, et cette voix qui semble venir de nulle part… ou d’un au-delà. C’est en bonne partie à elle que le public fera triomphe.

Et pourtant, probablement blasé et victime du prurit professionnel de la critique, je me souviens avoir glissé à mon voisin de siège : « Je n’aimerais pas avoir à faire le compte rendu de ce concert. » Et bing, ça tombe sur moi ! Or, je n’étais pas le seul à partager mon insatisfaction, moins parmi le public du théâtre, fasciné, que dans les arrière-cuisines du festival. Professionnels blasés ? Missionnaires du “jazz de création”, de la négritude engagée ou du radicalisme free ? Enfants gâtés boudant la perfection artistique ? Refus de se laisser abuser par une “trop jolie plante”, en une sorte de machisme inversé ? Outre l’embarras que constitue le côté “caméléon” et la virtuosité de Mathias Lévy trop composite pour la critique habituée dont je suis moi-même, à pratiquer des casiers esthétiques pourtant impraticables face à un spectacle par ailleurs aussi cohérent, l’impression générale qui se dégage parmi les “professionnels de la profession” s’attache particulièrement à la personne de Lou Tavano, dont les qualités vocales sont incontestables, ne serait-ce que parce qu’elles lui appartiennent en propre, mais d’où, spécifiquement dans ce contexte de cabaret, se dégage un sentiment d’auto-fascination pour ce timbre si parfaitement contrôlé (trop même ?) au détriment du texte. Soit une voix, un timbre, une tessiture qui s’écoute chanter, entre coocooning et pathos, entre porcelaine biscuit et imagerie pieuse pour communiant, le tout oubliant la chanson, ses paroles et le récit, leTEXTE qu’elles portent. Ce à quoi le public du théâtre municipal de Nevers fit un triomphe… après tout comme ça nous arrive tous à l’opéra, sans connaître un traître mot du livret. 

François Corneloup et son Bal du siècle pour un bal des 40 ans…

Hé oui ! On fêtait hier tout à la fois les 40 ans du festival et aussi des adieux à son créateur, Roger Fontanel qui, avec une émotion croissante au fur et à mesure que s’en approchait la fin, signait ici sa dernière édition avant de remettre à son successeur, Guillaume Malvoisin, les clés, non seulement d’un festival mais d’un pôle régional, ce Big Bang résultant de la fusion de ses deux enfants : D’jazz à Nevers et le Centre régional du jazz en Bourgogne – Franche Comté. Son œuvre. Donc discours, effusions, larmes écrasées, gâteau (géant comme le Big Bang), quarante bougies, photo de groupe avec l’équipe du festival…

…et, le soir, grand bal qui n’en fut pas un dans la mesure où il manquait un parquet entre les travées de sièges de la grande salle de La Maison. Bal quand même, parce que l’orchestre Le Bal du siècle de François Corneloup et son répertoire ont été conçus pour le bal. Déclinons en le personnel, car ici tout le monde compte :

Sylvain Bardiau (trompette), Gabrielle Rachel (trombone), Catherine Delaunay (clarinette), Camille Maussion (saxophone ténor), François Corneloup (baryton, direction), Clément Janinet (violon, mandoline), Fabrice Vieira (guitare, voix), Michael Geyre (claviers), Éric Duboscq (basse électrique), Vincent Tortiller (batterie), Fawzi Berger (percussions, voix).

Auxquels s’ajoutaient quelques-uns de ceux qui constituèrent la trame musicale de ces quarante ans écoulés :

Franck Tortiller (vibraphone), Dominique Pifarély (violon), Vincent Courtois (violoncelle), Sylvain Kassap, Louis Sclavis (clarinettes), Clément Gibert, Géraldine Laurent (saxophone alto), Jessica Simon (trombone) et leur aîné, leur parrain à tous, Henri Texier.

Et les voici qui déboulent par le fond de la grande salle de la Maison de la culture, comme une coulée de lave sonore et musicale, longée en tous sens par un trublion qui semble sonner l’alerte, Jacques Bonnaffé en grande tenue de général d’armée, sa trompinette et sa gouaille !

Musique de bal : ce sera long, trois heures pour ceux qui espéraient danser, mais un vrai bal ça dure trois heures ! Voire plus. Corneloup et son bal ont un répertoire de plusieurs heures, et de quoi les remplir intensément vu les solistes qu’il a sa disposition, sans même songer aux invités qui sont là. Et si les danseurs trépignent, il faut bien dire que tout s’enchaîne sans temps mort au risque d’oublier Jacques Bonnaffé qui se rappelle à notre souvenir en faisant défiler au-dessus des pupitres des pancartes, l’une découpée en forme de nuage (un nuage passe), d’autres arborant quelque aphorisme qu’il brandit à bout de bras, et profitant d’un temps mort pour réciter au micro quelques vers de poésie contemporaine ou quelques sentences de son répertoire.

Il faudrait détailler, nommer, décrire, raconter… notamment cette farandole qui soudain se met à serpenter dans les travées, animée notamment par l’attachée de presse du festival Marie-Claude Nouy et la contrebassiste Hélène Labarrière qui est venue et s’est logée à Nevers de sa propre initiative pour fête Roger Fontanel. Et puis parmi tous ces solistes reconnus, jeunes ou vieillissants qui se succèdent généreusement et sans ego, j’aimerais en citer deux : Camille Maussion qui n’est pas tombée de la dernière pluie mais me semble cette années s’imposer aux premiers rangs, et une tromboniste admirable dont je ne savais rien, Gabrielle Rachel.

La double page du programme consacrée à cette soirée se terminait ainsi : « Et la soirée est terminée… Tournez la page ! » Je vous inviterais bien à faire de même, mais à l’heure où je mets cette page en ligne, la suivante n’est pas encore écrite. Franck Bergerot (photos © Maxim François sauf concert de Mathias Lévy © Christophe Charpenel)

À l’heure où je mets ce texte en ligne, Bireli Lagrene joue le dernier concert du festival et je viens de trouver dans ma boîte aux lettres le premier disque signe de la saxophoniste Camille Maussion “Flocon Volcan” à paraître le 29 janvier 2027.