Le célèbre arrangeur, producteur et trompettiste s’est éteint le 3 novembre. Il avait 91 ans.

Pour beaucoup, son nom est synonyme d’albums de pop légendaires et de grandes messes caritatives, mais bien avant de sublimer les talents de Michael Jackson sur ses plus grands albums ou de diriger la session d’enregistrement du fameux We Are The World, “Q” (comme ses proches le surnommaient souvent) avait été un infatigable trompettiste, arrangeur et leader de big band, un homme qui a dédié des années de sa vie corps et âme au jazz, dont il avait tutoyé les plus grands : Lionel Hampton, Ray Charles, Sarah Vaughan, Dizzy Gillespie…

Retiré des affaires ces dernières années, Quincy Jones n’en restait pas moins attentif à la relève, siégeant régulièrement à divers jury, accompagnant ceux en qui il voyait les dignes héritiers de cette tradition qu’il aimait tant, et nul doute qu’en plus de ceux des légendes de la musique, nombreux seront les hommages parmi les étoiles montantes qui voyaient en sa reconnaissance la preuve irréfutable de leur place dans le monde du jazz.

À l’occasion de la sortie de son nouveau CD “Following” et avant son concert le 15 novembre au Studio de L’Ermitage, Pedro Kouyaté a répondu à mes questions, inspirées par les grands entretiens que menait Jean-Louis Ginibre dans Jazz Magazine dans les années 1960, notamment avec l’un des héros de Pedro, Bill Evans. Au micro : Edouard Rencker

Pedro Kouyaté, quelle musique écoutiez-vous enfant ?

Mon père travaillait à la radio du Soudan, devenu le Mali. En Afrique, pour les pouvoirs publics comme pour la population, la radio est le média majeur, les yeux du peuple. Donc j’écoutais tout, et tous les disques que me ramenait mon père : beaucoup de musique française, Charles Trenet, mais aussi Johnny Halliday, Sylvie Vartan, de la pop anglaise plus, forcément, de la musique malienne :  Ballaké Sissoko, Ali Farka Touré…

Quelles sont vos principales inspirations ?

L’inspiration majeure pour moi est venue des instruments et des sons qui, justement, n’étaient pas maliens. Le saxophone, la trompette, le cornet, le piano, puis les synthés. Donc, j’ai beaucoup écouté Miles Davis, Bill Evans, puis Stevie Wonder, qui fut une véritable révélation avec tous ses sons électroniques. Mes influences étaient également visuelles : les photos incroyables de tous ces artistes me fascinaient. Je posais comme les musiciens sur les pochettes des vinyles, je mimais Miles, Coltrane… Dans mes chansons, il y a du souffle. C’est un hommage à Miles Davis. Mon père aussi jouait du saxophone. Ca m’a beaucoup influencé. 

Pour vous, un concert réussi c’est quoi ?

Ça ne tient pas à grand-chose : c’est un concert où tu donnes dans la sincérité, tout ce que tu peux donner, sans retenue, sans attendre en retour. Tu partages. Et là, je suis heureux.

Pensez-vous témoigner de votre époque, notamment avec votre titre Sage-Femme ?

Je pense que la liberté appartient aux libres penseurs, aux conteurs, aux philosophes, aux écrivains, aux narrateurs. Moi, j’ai simplement un droit de regard. Le musicien à un droit de regard sur la société, sur son époque. Le titre Sage-Femme, c’est un jeu de mot destiné à saluer et remercier nos sœurs, nos mères, nos amies. L’humanité entière est née des mères, qui nous ont conçu, porté, enfanté. Merci à elles. C’est un vrai sujet de méditation pour tout le monde. Et je remercie spécifiquement ma mère qui m’a porté, protégé et élevé. Ce titre est un moment de paix consacré aux femmes.

Croyez-vous en une puissance supérieure ?

C’est une question très importante. Oui, je crois. Je ne suis qu’un “petit” élément constitutif d’un grand univers mais, néanmoins, la preuve de l’existence de l’homme sur terre. Pourquoi suis-je sur terre ? Pour quoi faire ? Dans quel but ? Ces sujets sont toujours complexes. J’ai souvent fait des appels… à l’univers, et on m’a souvent répondu. Je crois à la présence d’une force supérieure. Je ne sais pas où elle est, mais elle existe, j’en suis certain.

Lisez-vous beaucoup ?

Je lis, mais est-ce beaucoup ? Quand on aime, on ne compte pas. On lit pour voyager, pour apprendre, pour combler le manque, pour se rassurer, pour rire, pour se sauver, pour ne pas sombrer. Lire pour avoir une béquille. La lecture est une sorte de façon de cultiver son jardin secret. Ça participe également de l’apprentissage, et apprendre est une sorte d’humilité. Tu apprends ce que tu ne sais pas. C’est une leçon. Il y a également la part de l’autre dans la lecture. C’est pourquoi, il faut réserver des espaces spécifiques pour lire. Quand je lis, mon cœur bat autrement. J’aime lire 


Avez-vous peur de vieillir ?

Pas du tout. C’est très intéressant de vieillir. D’ailleurs, chez nous on ne dit pas vieillir mais mûrir ! Le patriarche, le vieux n’existe pas dans la tête d’un Africain : on ne vieillit pas, on devient sage. La vie n’est que transformation. Un bébé dans le ventre de sa mère se transforme tous les jours. C’est pareil par la suite. L’homme se transforme tous les jours. D’ailleurs, on devrait fêter son anniversaire tous les jours. Je passe ainsi sur la rivière de la vie. Avec mon âge, la question est de plus en plus intéressante. La vie est un fleuve. Ce qui est passionnant, c’est la capacité de s’adapter, de suivre ce le courant. On ne peut pas vivre avec tout le malheur du monde sur le dos. Il faut avancer. Tous les grands artistes ont été des passeurs et ont accompagné, comme ils le pouvaient, la vie : Picasso, Bernard Buffet… Les grands acteurs Lino Ventura, Jean Gabin, François Truffaut tous ont été de grands amoureux de la vie. La vie c’est l’eau, la terre, le feu.

Pedro Kouyaté en concert le 15 novembre au Studio de l’Ermitage, et bientôt beaucoup d’autres dates à découvrir ici !

https://www.billetweb.fr/pedro-kouyate

En exclusivité pour Jazz Magazine, le pianiste et arrangeur révèle le secret des partitions stupéfiantes qu’il a concoctées pour le nouvel album du quartette de Pierrick Pédron, “The Shape Of Jazz To Come (Something Else)”, fondé sur le célèbre disque de 1959 d’Ornette Coleman.

Photo : Jean-Baptiste Millot

Jazz Magazine Est-ce que “The Shape Of Jazz To Come” d’Ornette Coleman était l’un de vos disques de chevet ?

Laurent Courthaliac J’avais acheté il y a des années le fameux coffret Atlantic Records dédié à Ornette et j’ai écouté souvent cette musique, sans avoir de préférence pour “The Shape Of Jazz To Come” en particulier. Mais j’ai toujours trouvé ce quartette très hip, et leur son est resté mystérieuse, comme si j’ouvrais la porte vers un autre monde. Quand je me plonge dans Charlie Parker ou Bud Powell, que j’ai beaucoup étudiés, j’ai l’impression d’entrer dans une horloge suisse très logique, d’une complexité infinie. A l’inverse, avec Ornette j’ai ressenti quelque chose qui était presque de l’ordre de la magie : quand on retranscrit les thèmes ou certaines phrases d’Ornette ou de Don Cherry, on a le sentiment que le sol se dérobe sous nos pieds. Je ressens la même chose avec la musique d’Andrew Hill ou de Thelonious Monk : je sens qu’il y a une façon de penser, un système, un langage et un son reconnaissables, mais il y a une attraction qui est difficilement explicable.

Quel a été votre point de départ pour réaliser vos arrangements sur cette musique sans piano ?

Par le passé, j’ai surtout étudié Monk, Bud Powell et Duke Ellington, et comme eux, Ornette est un joueur de blues. Je savais donc que je pourrais trouver une filiation. C’est le cinquième disque que je fais avec Daniel Yvinec et le troisième avec Pierrick, on se connaît donc bien et j’ai donc joué le rôle d’une sorte de cinquième membre du quartette de Pierrick. Dès le départ il s’agissait d’arranger pour ce quartette avec piano et de tout harmoniser. J’avais des sons en tête : j’ai notamment beaucoup réécouté le “Second Quintet” de Miles Davis avec Herbie Hancock au piano, mais aussi des albums de ce qu’on appelle la New Thing, les albums Blue Note d’Andrew Hill, certains disques de Jackie McLean, pour voir comment les pianistes se sont débrouillés avec cette musique où l’harmonie était devenue beaucoup plus libre, je voulais avoir une perspective côté historique pour travailler. Ce qui est très intéressant c’est que cette “avant-garde” se développe beaucoup vers 1963 mais Ornette, dont le disque est sorti en 1959, avait beaucoup d’avance.

Comment s’est passé le processus d’écriture proprement dit ?

Pierrick a commencé à relever des thèmes et des solos et m’envoyait ses transcriptions pour que je commence à chercher des idées. Je lui fais vraiment du sur-mesure : je sais exactement ce qu’il aime ou non, et quand il vient me voir c’est un peu comme s’il allait chez son tailleur. J’ai arrangé le disque dans l’ordre, en commençant par Lonely Woman qui est construit comme une chanson qui m’a permis d’aborder ensuite les morceaux beaucoup plus angulaires. Le premier accord donne le son général du disque. Je pouvais parfois trouver quelques accords pour les mesures 5, 6 et 7 d’un morceau alors que je n’avais rien pour le début ! Pierrick venait presque tous les après-midis chez moi pour essayer ce que j’avais écrit le matin-même et choisir parmi toutes les possibilités. Je pense que ça s’entend, ce n’est pas un disque qui s’est fait en 24 heures ! Pour Peace par exemple, je n’arrêtais pas d’écouter Filles de Kilimanjaro de Miles. Daniel Yvinec pouvait aussi me donnait des idées pour certaines sections sous forme de références à des disques qui allaient de Bill Evans à Kenny Dorham ou Branford Marsalis, que je suivais ou dont je m’écartais parfois. Il nous a permis d’avoir une autre écoute sur ce qu’on avait mis au point avec Pierrick, suggérant parfois de retirer des choses pour laisser respirer la musique.

Comment avez-vous aménagé les espaces de liberté au cœur de vos arrangements ?

Je me mets toujours à la place de quelqu’un qui aurait à jouer mes arrangements : je n’aimerais pas qu’on m’impose des choses en permanence. Je laisse donc, à côté de certains éléments précis auxquels je tiens, des mesures où seul l’accord est indiqué pour que les musiciens puissent choisir comment le jouer. Mon rôle d’arrangeur m’a aussi permis de proposer des accords très contemporains que je n’aurais pas forcément choisi pour ma propre musique, mais que j’ai dans l’oreille et dont je sais que Pierrick les apprécie : une autre influence de mon travail sur ce disque, c’est le quartette d’Immanuel Wilkins, où Micah Thomas, dont j’ai produit l’album “Reveal”, tient le piano. Pierrick et ses musiciens sont très respectueux de mon travail, et j’essaye de leur proposer des choses intéressantes. Sur chaque disque que j’ai fait avec Pierrick et Daniel, y a un titre que je n’arrange pas : on laisse les musiciens jouer librement dans le même son que celui des arrangements.

Que va-t-il vous rester de tout ce travail pour vos futurs arrangements ?

Je pense que ce sont les arrangements les plus originaux que j’ai faits jusqu’à présent et j’en suis très fier ! Je n’ai pas eu à relever le défi physique de Pierrick avec ses relevés au saxophone, mais il est clair que ça m’a apporté une ouverture d’esprit incroyable. J’ai toujours en tête cette idée qui boucle sur elle-même à l’infini : la seule règle, c’est qu’il n’y a pas de règles. Cet album m’a encore plus fait comprendre que la musique, et le jazz en particulier, était un véritable mystère, que certaines choses ne s’expliquaient pas et qu’on pouvait s’en servir comme miroir pour explorer son mystère à soi. Avoir arrangé cette musique fait désormais partie de mon éducation, en tant qu’homme et en tant qu’artiste. Au micro : Yazid Kouloughli

Découvrez la chronique Choc de l’album du Quartette de Pierrick Pédron “The Shape Of Jazz To Come (Something Else)” (Continuo Jazz), et l’interview exclusive de Carl-Henri Morisset, Elie Martin-Charrière et Thomas Bramerie dans le n°766 de Jazz Magazine !

A l’occasion de la sortie du premier album de son groupe Photons, le pianiste s’est prêté au jeu du blindtest a tenté de reconnaître 8 morceaux enregistrés entre 1988 et 2023. Par ordre d’apparition : nom(s) d’artiste(s), titre du morceau, titre de l’album, label et année de parution. Aux platines : Fred Goaty & Yazid Kouloughli

Herbie Hancock featuring Jack DeJohnette

Alphabeta

Future To Future

Columbia, 2001

Un duo d’américains ? Ils ont joué avec qui ? Ça pourrait être Brian Blade à la batterie… [Après avoir été informé] Non, c’est Herbie aux claviers ?! Et Jack DeJohnette à la batterie ? Je ne connais pas du tout ce disque. [En regardant les notes de pochette] Il y a plusieurs fois Carl Craig à la production, Chaka Khan, Wayne Shorter sur un morceau… Je n’aurais jamais trouvé !

Ryuichi Sakamoto & Alva Noto

Uuon I

Vrioon

Noton, 2002

Je n’ai pas beaucoup écouté Ryuichi Sakamoto mais après son décès j’ai commencé à explorer un peu plus sa musique. Depuis mes débuts et mon premier album en trio “Unexpected Things”, on m’a souvent dit qu’il y a quelque chose de cinématique dans la musique je fais, et il excellait dans ce domaine. Ça me parle beaucoup !

Léon Phal

Last Call

Dust To Stars

Heavenly Sweetness, 2022

Ah oui, Last Call de Léon ! On se reconnaît tout de suite, surtout qu’on a énormément joué les morceaux de ce disque. J’ai une très bonne mémoire et je pense que je me reconnaitrais sur tous les disques sur lesquels j’ai enregistré. Ce disque a une importance symbolique : Léon et Zacharie [Ksyk, le trompettiste de Léon Phal, NDRL] sont mes potes d’école de Lausanne, on se connaît depuis 2011, on a habité ensemble, et c’est le premier groupe que j’ai eu qui a vraiment tourné. On a enregistré cet album pendant le Covid, la sortie n’a eu lieu qu’en 2021 pendant l’été où les musiciens français étaient les seuls à vraiment tourner, c’est là que j’ai appris à connaître les frères Belmondo qu’on croisait beaucoup, et on a énormément joué ce répertoire.

Frédéric Galliano

Espaces Baroques

Plis infinis n°4

F Communications, 1997

Ca pourrait être Jeff Mills avec ces programmations superposées… En tous cas c’est les années 1990 non ? Ce ne sont pas des Américains. C’est français ? [Après avoir été informé] Je ne connaissais pas. Ah il y a Stéphane et Lionel Belmondo sur le disque ! Ils m’ont parlé de ce musicien. J’ai situé très vite l’année parce qu’aujourd’hui on traiterait beaucoup plus les boîtes à rythme. A l’époque de ce morceau, c’était les boîtes à rythme Atari qui donnent tout de suite un côté années 1990, mais ce n’est pas rédhibitoire ! J’écoute Marshall Jefferson, ou J Dilla dans le hip-hop et j’adore ça. C’est d’ailleurs une période qui revient beaucoup à la mode. Très bonne découverte !

Raphaël Pannier

Take Peace

Letter To A Friend

French Paradox, 2023

Le son, la façon dont s’est enregistré : ça c’est récent ! C’est le batteur Raphaël Pannier ? Je reconnais Miguel Zenon et avec c’est… Acid Pauli ! J’ai entendu parler de ce disque. Ça m’avait intrigué que Raphaël Pannier fasse un disque avec ce producteur electro de Berlin alors qu’a priori ça n’est pas trop sa culture, le processus d’enregistrement avec des allers-retour entre les instruments acoustiques et le travail d’Acid Pauli est très intéressant. J’ai écouté une partie du disque et j’ai beaucoup aimé, déjà parce que Raphaël est un batteur monstrueux, et le résultat est super. Peut-être qu’il y a quelques années, un batteur comme lui ne serait pas allé vers les musiques électroniques…

Jungle Brothers & De La Soul

I’ll House You

Straight Out Of The Jungle

Idlers, 1988

C’est les années 1990 aussi ? [On précise que ces la fin des années 1980] Ça me rappelle beaucoup le “House Anthem” de Marshall Jefferson. Ce morceau me fait penser à la démarche qu’aura plus tard DJ Mehdi, et le documentaire que vient de lui consacrer Thibault de Longeville parle beaucoup de la façon qu’il a eu de casser les codes du rap et de l’electro, surtout en Europe où les clubbers ne savaient pas toujours que la house était une musique noire-américaine. Une partie de la musique que je fais vient aussi de morceaux comme celui-là.

Carl Craig

Televised Green Smoke

More Songs About Food And Revolutionnary Art

SSR Records

1997

Sa façon de programmer ses machines montre que le meilleur de la house, et même la très bonne techno, ça swingue de fou, et ça groove tout le temps ! Ça n’est pas que le kick qui m’intéresse mais aussi tout ce qu’il se passe autour. Il y a un côté très contemplatif dans cette musique. Ce ne sont pas des sons très “club”, c’est plus des choses qu’on entendrait dans le funk et la disco des années 1970.

Nils Petter Molvær

Framework 2

Stitches

BMG, 2021

Ça c’est européen, c’est sûr ! J’ai l’impression que ça n’est pas très récent d’après la production. C’est Nils Petter Molvær ? On a bossé ensemble avec For A Word, et on a joué sur scène avec lui à l’époque de la sortie de ce disque. Le Covid ne nous a hélas vraiment pas aidé, mais c’était génial, et j’adorerais collaborer de nouveau avec lui et faire de l’impro ensemble, lui avec sa trompette et ses effets et moi avec mes synthés. On verra !

Photo © Elisa Ramirez : Photons au grand complet, avec de gauche à droite Gauthier Toux, Julien Loutelier, Samuel F’hima et Giani Caserotto.

L’interview exclusive de Gauthier Toux sur son nouveau groupe Photons, ses amours electro et sa passion intacte du jazz, c’est dans le n°766 de Jazz Magazine, en kiosque dès maintenant et en vente sur notre boutique en ligne !

Jusqu’au 14 novembre, les grandes formations de France font leur traditionnelle rentrée avec un programme XXL. Suivez le guide !

Avec plus de 60 concerts de jazz et de musiques improvisées en France, en Europe et au delà, la scène des grands orchestres de France, qui comptent parmi les plus nombreux, créatifs et actifs au monde seront à l’honneur.

Parmi les concerts de cette rentrée très spéciale, un événement à retenir tout spécialement : trois jours immanquables à Nantes, dans les lieux emblématiques du jazz et des musiques créatives que sont le Pannonica, La Soufflerie et le Conservatoire de Nantes, avec des concerts de l’Acoustic Large Ensemble de Paul Jarret, du Moger Orchestra et de l’Orchestre Tout Puissant Marcel Duchamp, sans oublier en marge des événements live, des activités pédagogiques, des rencontres avec les professionnels du secteur, des jam sessions pour échanger librement et de nombreuses autres occasions de se retrouver.

D’ici là et par la suite, vous aurez forcément l’occasion d’assister à l’un des concerts de formations telles que L’Oeuf Big Band, Jean-Marie Machado Orchestre Danzas, FUR, Tous Dehors, Papanosh, Le Sonart, Q-Some Big Band, Discobole Orchestra, Magic Malik Fanfare XP, Fuchsthone Orchestra, Àbájade, The Very Big Experimental Toubifri Orchestra, et beaucoup d’autres à (re)découvrir dans les semaines à venir !

Toutes les informations pratiques et le calendrier des concerts jour par jour sur le site de Grands Formats à retrouver ici. Bonne rentrée !

Le 6 octobre au célèbre club parisien, un aréopage d’instrumentistes se réunissent rue des Petites Ecuries pour honorer la mémoire du grand guitariste qui nous a quittés le 13 mai dernier.

A partir de 19h, ce concert exceptionnel à l’initiative de Raphaël Escoudé, fils de Christian, et dont la coordination musicale a été est assurée par le guitariste Jean-Baptiste Laya, réunira des compagnons de route et des amis de Christian Escoudé. Sont attendus entre autre Philip Catherine, Stephy Haïk, Florin Niculescu, Sanseverino, Simon Goubert, Ludivine Issambourg, Anne Paceo, André Villéger, François Janneau, Hugo Lippi, Noé Reinhardt, Rocky Gresset,Boulou & Elios Ferre, Marcel Loeffler, Olivier Hutman ou encore Jean-Marc Jafet…

Cliquez ici pour réserver !

Photo © Jean-Baptiste Millot

Du 4 au 21 octobre se tiendra la 21ème édition de cette manifestation qui brasse mille et unes nuances de jazz et de musiques du monde, reliant la Bretagne aux musiques du Brésil. Jazz Magazine est partenaire de l’événement.

Point culminant de trois années de collaboration et d’échanges intenses entre la ville de Brest et Sao Paulo au Brésil, l’Atlantique Jazz Festival propose une programmation haute en couleurs et riche en contrastes pour refléter l’incroyable diversité de pratiques et de styles qui se déploient dans cette capitale Sud-Américaine de la musique. Du 4 au 13 octobre, au cours de l’AJF Tour, Alessandra Leão & Sapopemba sillonera toute la Bretagne pour donner une série de concerts en duo voix-percussions (direction artistique Paula Rocha), entre musiques traditionnelles et ouvertures vers l’avenir d’un art brésilien en constant renouvellement.
Et du 15 au 20 octobre, à Brest, avec des des artistes aussi divers que Carla Borregas et Mbé, Kenya 20HZ & Morgane Carnet, Paal Nilsen ou encore Marcel Powell, se déploie le champ des possibles, du jazz à l’electro en passant par le coco, le maracatu et le forró.

Retrouvez toute cette riche programmation et réservez dès à présent sur le site du festival !

La saxophoniste londonienne, figure de sa génération, vient de publier le superbe “Odyssey”, un troisième album qui s’impose comme son meilleur. Nous l’avons rencontrée pour parler du jazz anglais d’hier et d’aujourd’hui et de sa propre musique.

NUBYA GARCIA Quand vous le dites comme ça on dirait que c’est terminé mais j’espère que ça continue ! C’était une période très intéressante, personne ne l’avait prédite et on se sentait vraiment soutenus, ce qu’on attendait depuis longtemps. Ça nous a donné beaucoup d’opportunités et de latitude. Je pense que ça continue mais c’est un peu moins nouveau maintenant, on est plus installés, ce qui est très positif. En voyant tout ça de l’intérieur, et je me suis rendu compte qu’il y avait beaucoup de préjugées et de plafonds de verre en place pour toutes sortes de genre musicaux et dans toutes sortes de domaines. Quand l’underground sort du bois, c’est surtout une opportunité de tisser des liens avec le public, et ce rassemblement était très beau et positif.

C’est en effet quelque chose qui a pu arriver. J’étais au cœur de tous ses événements, et parce qu’on a beaucoup tourné et eu plein d’opportunités – dont beaucoup pensaient qu’on ne les aurait jamais en tant qu’artistes de musique instrumentale formés à travers le jazz – j’étais plus déterminée encore à atteindre mon but, et je le suis toujours. Je sais que j’aime la musique et en faire avec les gens avec qui je joue, pour moi c’est déjà un succès et je me dis que les musiciens ne devraient pas se concentrer sur les opinions et perceptions externes, mais plutôt essayer d’être les meilleurs possible, de vivre dans l’instant. C’est un grand privilège de faire de la musique qui parle aux gens et c’est ça qui compte. Ça nous a tous demandé beaucoup de temps et de travail mais je suis très fière de ce qu’on a fait et de ce qu’on continue à réaliser.

Je l’ai beaucoup fait car j’adore jouer, et pas seulement quand c’est moi qui ai composé ou qui dirige. Être sidewoman est très différent qu’être leader, il faut relever d’autres défis et ça permet d’essayer d’autres choses. Je n’ai jamais voulu choisir entre les deux, et ça me permet de collaborer avec des gens merveilleux qui enrichissent ce que je fais. La collaboration est le ciment d’une communauté. Je crois aussi que les meilleures musiques proviennent d’une multitude de sources et j’ai donc collaboré à de nombreux groupes dès le début. C’est excitant, ça permet d’exister de plusieurs façons au sein d’une génération, et ça doit être très dur de ne jouer que dans sa propre formation ! Ce serait comme ne parler qu’une seule langue alors que je veux parler de plein de façons différentes.

Crédit : Courtney Campbell

Oui absolument. Je joue avec certaines personnes depuis que j’ai 17 ans, [elle en a aujourd’hui 33, NDLR]c’est presque la moitié de ma vie ! Si de jeunes musicien.nes nous lisent, je pense que c’est très important de se souvenir que les gens qu’on rencontre à chaque étape de sa vie peuvent, s’ils sont sur la même longueur d’onde, devenir ceux qui vous portent, vous encouragent, jouent et tournent avec vous, vous font découvrir de la musique… Au fond il s’agit d’amitié, de soutenir vos copains musiciens et de les aider à concrétiser leur vision, bien plus que de succès matériel, même s’il faut bien payer ses factures !

C’est difficile à dire car j’étais un bébé à cette époque ! Je sais qu’ils ont tourné à travers le monde et qu’aujourd’hui, à chaque fois que je vais aux Etats-Unis, les musiciens de cette génération me demandent des nouvelles de Courtney Pine par exemple. Son nom circule toujours à New York et c’était déjà le cas, il y a dix ou douze ans, quand j’y était allé pour la première fois, alors que j’étais encore étudiante. Notre génération a énormément bénéficié du travail de gens comme Courtney Pine, Steve Williamson, le groupe Jazz Jamaica et tant d’autres. Les Jazz Warriors ont directement permis aux programme éducatif Tomorrow’s Warriors [créé en 1991], dont j’ai fait partie, d’exister, et on n’aurait pas pu avoir un tel programme de formation musicale, gratuitement, à Londres, avec des gens qui nous ressemblent, ça n’aurait pas existé. Je ne dirais pas qu’ils ont vraiment la reconnaissance qu’ils méritent mais ils ont fait beaucoup pour faire connaître Londres et la Grande-Bretagne dans le monde du jazz, et ça n’a vraiment pas dû être facile du tout dans les années 1980 et 90.

Je dirais que je ne cherche pas à impressionner les gens et que j’essaye de me mettre au service de la musique. Il y a plein de façons de faire ça et je peux sonner très différemment d’un jour à l’autre, sur scène ou en studio. Mais j’essaye de ne pas “surjouer”. A quoi bon ? Non pas qu’on n’ait pas le droit d’être virtuose, mais chaque morceau se prête à une certaine façon de jouer, et je m’adapte en fonction de ça et de ce que je ressens ce jour-là. J’ai envie d’être en osmose avec mon instrument, pas de me battre contre lui où d’avoir l’impression que les gens vont mieux me considérer si je joue d’une certaine façon. Je doute que ça me rendrait très heureuse !

C’était un défi de réaliser ces arrangements, de trouver ma voix en tant que compositrice plus que d’intégrer les cordes à mon groupe d’ailleurs, car je n’avais jamais fait ça avant. Je ne voulais surtout pas plaquer des cordes sur des morceaux déjà écrits, et j’ai passé beaucoup de temps à peaufiner ces arrangements. J’ai beaucoup douté mais ça m’a permis de trouver ma propre façon d’écrire. Je ne suis pas très académique, j’ai besoin de créer pour apprendre plutôt que de lire des livres et j’ai justement évité de trop étudier des arrangements similaires chez d’autres, même s’il y a plein d’excellents exemples, avant d’avoir terminé mon travail, pour progresser encore la prochaine fois. J’ai vraiment l’impression que ces cordes sont les miennes, je m’en suis servi comme une sorte de texture, mais je ne savais pas que j’arriverais à un tel résultat quand j’ai commencé à travailler. J’ai débuté mon apprentissage musical par les cordes à 3 ou 4 ans, mais je n’y vais plus touché depuis très longtemps et j’avais vraiment envie de m’y remettre. J’ai hâte de continuer sur cette voie ! Au micro : Yazid Kouloughli / Photo : Danika Lawrence

Album « Odyssey » (Concord Jazz / Universal, 4 étoiles Jazz Magazine)

Concerts Le 14 février 2025 à Bordeaux (Rocher de Palmer), le 15 février à Paris (La Cigale).

Vendredi 4 octobre, 20h30, à la Maison de la radio et de la musique à Paris, un ensemble unique en son genre mettra à l’honneur les racines fondamentales de la musique noire.

Jazz Magazine est partenaire de cet événement réunissant 120 chanteurs lyriques du Chœur Philharmonique International (artiste de l’UNESCO pour la paix) dirigé par Yanis Benabdallah, un quintette de jazz et des comédiens pour un spectacle hors-norme en deux parties (Héritages : 200 ans de musiques africaines inspirées de l’Europe et Rhapsody in Black : 200 ans de poésie afro-descendante, sur une musique originale de la pianiste et compositrice Leïla Olivesi). Ensemble, ils rendront hommage, par-delà les styles et les époques, à deux siècles de musiques africaines inspirées de celles d’Europe et mettra en musique des poèmes d’auteurs afro-descendants comme David Diop, Aimé Césaire ou Léopold Sédar Senghor. En somme, une célébration de cette valeur de résilience, indissociable des musiques noires, qui du gospel à la biguine en passant par le blues et le jazz seront toutes essentielles à cette soirée.

Avec Yete Queiroz (mezzo-soprano), Bernard Arrieta (baryton), Jacques Martial (lectures des poèmes) Marion Frère (violoncelle), Leïla Olivesi (piano), Donald Kontomanou (batterie), Sophie Alour (saxophone), Yoni Zelnik (contrebasse)et Marie-Claude Papion (piano).

Retrouvez le programme détaillé sur le site de La Maison de la Radio et de la Musique. Réservations ici

Le 16 septembre, rendez-vous sur Culturebox pour vivre comme si vous étiez la grande cérémonie des Victoires du jazz 2024, enregistrée il y a quelques jours, et dont voici le palmarès.

Notre partenaire Culturebox a minutieusement immortalisé ce grand moment de reconnaissance et de célébration de celles et ceux qui ont enchanté l’actualité du jazz l’année passée. Jeunes groupes tout juste révélés, vétérans toujours créatifs, voix inimitables : si vous souhaitez vous garder la surprise de la découverte du palmarès 2024 des Victoires du jazz, ne ratez pas la diffusion de la cérémonie en “prime time” à 21h lundi prochain, présentée par Manu Katché !

Si vous ne pouvez pas attendre, voici la liste des heureux élus :

Artiste instrumental(e)
Pierre de Bethmann

Artiste vocal(e)
Sandra Nkaké

Révélation
(Prix Frank Ténot)
Monsieur Mâlâ

Album jazz de l’année
« Let Them Cook » Émile Parisien Quartet (Act)

Concert
« Les Égarés » Sissoko, Segal, Parisien, Peirani (Anteprima Productions/Mad Minute/Yes Les Guyzz/Molpé Music)

Album de musiques du monde
« Bleu » Ann O’aro (Cobalt)